Le commissaire Maigret enquête sur des meurtres de femmes à Paris.
Un polar français banal, mou du genou et pas toujours très clair en terme de narration.
Cécile est morte (Maurice Tourneur, 1943)
mai 20th, 2012Les assassins de l’ordre (Marcel Carné, 1971)
mai 19th, 2012
Un juge d’instruction enquête sur des policiers qui auraient tabassé à mort un suspect.
Un film tardif de Marcel Carné sur un sujet à la Cayatte dans un contexte post-soixante-huitard ne fait a priori pas très envie. Les assassins de l’ordre est pourtant une assez belle réussite, un travail d’une toute autre classe que Terrain vague, Le pays d’où je viens, Thérèse Raquin et autres Tricheurs. Il y certes quelques raccourcis narratifs faciles. En voici un: suite à un laïus du héros sur la vérité et la tyrannie, une prostituée décide d’oublier son mac aussi vite qu’elle s’était empressée de le défendre.
Néanmoins, le film étonne par son audace et sa sincérité, dernière qualité qui n’a jamais suffit à faire un chef d’oeuvre mais absolument capitale pour un film de ce genre. En effet, la rigueur et l’honnêteté intellectuelle des auteurs ne font aucun doute. A l’exception d’un malheureux gros plan sur Charles Denner gesticulant, la défense des policiers n’est jamais ridiculisée ou méprisée.
Achever le film sur la plaidoirie de Denner, c’est à la fois logique (dans un procès, c’est l’avocat de la défense qui a le dernier mot) et courageux puisque cette plaidoirie, très convaincante, vient remettre en cause tout ce que le film disait jusque-là. Le cran de Carné se retrouve aussi dans le choix de la bande-son: c’est une musique avant-gardiste de Pierre Henry et Michel Colombier qui accompagne les images. Elle est sublime et inquiétante, oppressante, terrifiante. Parfaite quoi.
Enfin, Jacques Brel est tout bonnement immense dans son rôle . Il donne corps et coeur à l’avocat idéaliste et fait que ce beau plaidoyer humaniste s’avère un vrai bon film, loin de ce que le papier laissait présager.
Marie-Martine (Albert Valentin, 1943)
mai 18th, 2012
Un romancier exploite le malheur d’une fille perdue par une riche famille pour écrire un livre.
La construction excessivement alambiquée camoufle un temps la profonde convention de l’intrigue mais le tout reste superficiel. Renée Saint-Cyr n’est pas aussi fraîche qu’Odette Joyeux ou Danièle Darrieux, Jules Berry cachetonne mais Saturnin Fabre, au cours d’une scène purement digressive, nous régale d’une composition exceptionnelle de fantaisie et de vérité humaine. C’est aussi ça la grandeur du cinéma français classique.
La pagaille (Pascal Thomas, 1991)
mai 17th, 2012
Après sept ans de divorce, deux parents ayant chacun un nouveau conjoint ont envie de se remettre ensemble…
Co-écrit avec Age, le célèbre scénariste de la grande comédie italienne, La pagaille ne figure pourtant pas parmi les réussites majeures de Pascal Thomas. S’il ne mérite pas l’échec qui fut le sien à sa sortie, s’il est souvent drôle, truffé de seconds rôles farfelus et riche en gags, il est nettement moins bon que Le chaud lapin ou Mercredi, folle journée!. La faute en incombe à une mise en scène qui manque de naturel, à des personnages qui semblent des pantins téléguidés par la mécanique du scénario. On ne s’intéresse que lointainement à ce qui leur arrive. La situation des familles recomposées, thématique centrale du film, n’est donc que très superficielle traitée. Le rythme est de plus assez déséquilibré. Toute cette agitation, toute cette « pagaille » peut en fait se résumer à un triangle amoureux. La pagaille reste une comédie correcte car amusante mais le grand Pascal Thomas nous avait habitué à mieux.
Timbuktu (Jacques Tourneur, 1959)
mai 16th, 2012
Au Soudan français, pendant un soulèvement des autochtones, un mercenaire américain joue un trouble jeu avec le commandant de la garnison, son épouse et le chef des rebelles.
La convention du film d’aventures coloniales est détournée par un script intelligent qui rend incertaines les motivations des principaux protagonistes. Une multitude d’enjeux (patriotiques, économiques et amoureux) pèsent sur leurs décisions. Les personnages y gagnent une densité humaine tout à fait inhabituelle. Leur vérité psychologique va de pair avec une certaine grandeur romanesque exprimée à travers plusieurs actions surprenantes. Yvonne de Carlo est magnifique et les yeux de cocker de Victor Mature insufflent une tristesse bienvenue à son personnage de mercenaire désabusé. Comme il en a l’habitude, la petitesse de son budget est retournée par le cinéaste à son avantage: beauté nue des cadres, épure du découpage, génie de la fulgurance. Pour s’en convaincre, voir ne serait-ce que l’excellente ouverture.
Bref: Timbuktu est une superbe réussite de Jacques Tourneur.
Bob & Carol & Ted & Alice (Paul Mazursky, 1969)
mai 15th, 2012
Deux couples de riches trentenaires américains voient leurs repère moraux vaciller suite au week-end de l’un d’entre eux dans une communauté hippie.
Comme le synopsis l’indique, c’est un pur film de société donc c’est assez daté. Néanmoins, le sujet est bien traité car la distance de l’auteur est juste. Bob & Carol & Ted & Alice n’est ni apologie ni condamnation de la liberté sexuelle mais subtile observation de personnages qui y sont confrontés. Il est intéressant et parfois drôle de voir ces trentenaires un peu trop vieux pour être au centre de la révolution sexuelle s’essayer à l’adultère consenti avec tout ce qu’il faut de bonne volonté avant de finalement buter devant le caractère absurde de cet oxymore: « amour libre ». Ce n’est cependant pas très passionnant car on les voit plus parler de leurs sentiments que les vivre effectivement (ainsi toutes les aventures ont lieu hors-champ). Vous pourrez me rétorquer que c’est aussi le cas chez Eric Rohmer, cinéaste souvent encensé sur ce blog. Seulement chez Rohmer, il y une science de la narration, un goût du suspense et une intelligence quasi-diabolique de la mise en scène à peu près absents ici. Bref, Bob & Carol & Ted & Alice brille essentiellement par sa justesse. Justesse des comédiens, justesse du déroulement des situations. C’est déjà pas mal et ça suffit à en faire un bon film.
Sortilèges (Christian-Jaque, 1944)
mai 14th, 2012
Une communauté montagneuse est perturbée par un meurtre crapuleux commis par le sorcier-guérisseur.
Exemple typique -et glorieux- du cinéma féérique de l’Occupation, Sortilèges bénéficie d’abord d’une solide mise en scène d’un Christian-Jaque pour une fois inspiré. Le réalisateur donne une présence aux magnifiques décors naturels, fait exister la petite communauté et sait surprendre lors de l’inévitable morceau de bravoure final. Ses mouvements d’appareil pertinents, son sens du décor, les gueules pittoresques des personnages et la jolie photographie chargent le film d’un poids de concret qui fait cruellement défaut au scénario de Jacques Prévert (adapté d’un roman de Claude Boncompain).
En effet, la vision des jeunes amoureux selon le poète, amoureux qui déblatèrent des tirades ronflantes et généralistes plutôt que de se caresser, ressort du fantasme de vieille fille. Tout aussi frelatée est la caractérisation de l’inévitable « salaud » aux motivations aussi vagues et imprécises que la haine qu’il suscite chez les gentils. De plus, certains enchaînements d’action, tel la fin, sont dénués de logique. Bref, même s’il apporte l’univers particulièrement « cinégénique » autour duquel se déploie la mise en scène et que donc son apport aux qualités du film ne saurait être négligé, Prévert n’est pas un très bon scénariste.
En définitive, s’il est difficile de prendre au sérieux une histoire aussi naïvement racontée et des personnages aux dialogues aussi faibles, la mise en scène pittoresque nimbée de poésie désuète insuffle à Sortilèges un charme suranné qui a tout de même bien mieux vieilli que l’abstraction vide et prétentieuse des Visiteurs du soir (autre préverterie de l’Occupation).
Eclairage intime (Ivan Passer, 1965)
mai 13th, 2012
Note dédiée à Jean Pop 2
Un soliste vedette de Prague est invité chez un des ses anciens camarades du conservatoire qui habite avec sa famille à la campagne…
Premier long-métrage de Ivan Passer, Eclairage intime est un film impressionniste qui repose sur un canevas narratif très ténu mais dont la mise en scène est d’une grande expressivité. On aurait vite fait de trouver ça anodin mais on aurait tort. La légèreté inouïe du trait ne fait qu’accentuer l’impression de vérité première qui se dégage d’images parfois sublimes. Le montage notamment est riche de sens. Le cinéaste montre la rencontre entre citadins et campagnards avec une sorte de doux détachement. En s’intéressant à des détails à peine incongrus au cours de scènes folkloriques, il restitue l’humanité profonde de ceux qu’il filme. Ainsi, la séquence de l’enterrement est magnifique. Ivan Passer s’y affirme en poète de la communauté aussi grand que John Ford ou Michael Cimino quoique son style soit radicalement différent des deux Américains puisqu’il se focalise plus sur des points périphériques que sur le centre de l’action. La grâce du film retombe quelque peu dans un dernier tiers où l’auteur essaye de développer son histoire d’amitié mais se montre assez superficiel, convenu et languissant. Eclairage intime n’en reste pas moins un petit miracle de cinéma qui en son temps attira à juste titre l’attention sur ce qui se tournait en Tchécoslovaquie.
Les gaz mortels (Abel Gance, 1916)
mai 12th, 2012Pendant la première guerre mondiale, un scientifique humaniste est sommé par l’armée française de concevoir des gaz mortels.
C’est peut-être dû au fait qu’on était encore au pleine guerre mais le propos pacifiste est considérablement dilué par des intrigues rocambolesques liées à la famille du savant. Et ces intrigues sont d’un niveau de mélodrame de caniveau. Mais l’intérêt du film n’est pas là. Il est dans sa mise en forme. S’il n’y a pas ici le foisonnement créatif de La dixième symphonie tourné l’année suivante, le jeune Abel Gance montre qu’il a rapidement acquis les leçons de maître Griffith avec notamment une excellente gestion de climax basé sur la montage parallèle qui impose un fossé entre lui et les cinéastes français d’avant 1914. Ainsi, il n’y a qu’à comparer son film avec Germinal, très bon film du vétéran Albert Capellani tourné quelque deux ans auparavant mais qui semble appartenir à une autre époque du cinéma que ces Gaz mortels.
Pain, amour et fantaisie (Luigi Comencini, 1953) Pain, amour et jalouisie (Luigi Comencini, 1954)
mai 11th, 2012
Un maréchal des logis est affecté dans un village pauvre de l’Italie montagneuse. Ce vieux beau célibataire va être l’objet de l’attention des commères…
Ce merveilleux diptyque marque l’avènement du renouveau de la comédie italienne. Dans un environnement que l’on peut qualifier de « néo-réaliste », Luigi Comencini et ses scénaristes convoquent les éternels schémas de la comedia dell’arte avec une incomparable virtuosité. Le trait est moins acerbe qu’il ne le sera plus tard dans le genre car la bienveillance de Comencini pour ses personnages est totale et le ton est globalement joyeux. Cela n’empêche pas les auteurs, et c’est là leur génie, de montrer toute la misère économique, sociale et morale qui pèse sur les villageois. Voir ainsi comment dans le second volet les vieilles traditions empêchent l’harmonie des coeurs promise par la fin du premier épisode. Je crois d’ailleurs que c’est un cas unique dans l’histoire du cinéma, ce happy end d’un film qui se voit remettre en cause par la suite de ce film.
Le récit est riche, plein d’intrigues qui s’emmêlent tout étant raconté avec concision. Les personnages sont denses et formidablement interprétés. Vittorio De Sica trouve ici son meilleur rôle d’après-guerre et Gina Lollobrigida son meilleur rôle tout court. L’humour n’empêche pas la prise au sérieux des tourments des protagonistes ni le surgissement de l’émotion. Bref, c’est du grand et beau cinéma populaire, mille coudées au-dessus du contemporain Don Camillo. Pain, amour et fantaisie et Pain, amour et jalouisie sont deux classiques en quelque sorte parfaits qui ne sont pas appelés vieillir.
