Après la première guerre mondiale, l’affrontement en Ukraine entre communistes et nationalistes.
Film de propagande attaquant les nationalistes ukrainiens extrêmement fatigant de par sa lourdeur. La virtuosité du cinéaste (montage et compagnie) n’y change rien; elle ne fait qu’accentuer le côté marteau-piqueur de l’ensemble. Aucune espèce d’intérêt à regarder ce film aujourd’hui.
Pendant la guerre, des soldats en permission fréquentent une cantine où des artistes se produisent pour eux.
Film de propagande dans lequel la prédominance des numéros de music-hall dilue considérablement la dramaturgie. Néanmoins, il n’y avait que Frank Borzage pour donner du poids à une idylle convenue entre un soldat et une jeune comédienne. Grâce à la sensibilité de son découpage et de sa direction d’actrice (entre ses mains, l’inconnue Cheryl Walker s’avère excellente), la fin atteint une certaine justesse. Les numéros quant à eux rassemblent la crème de la culture américaine de cette époque. De Harpo Marx à Yehudi Menuhin.
Une servante exploitée par ses maîtres devient déléguée du Soviet.
C’est traité sur un mode léger et comique mais cela n’en reste pas moins fort ennuyeux en raison d’une confusion souvent gratuite et vaine (ainsi du flashback au début).
Documentaire de propagande américaine sur la guerre de Corée.
Les quelques belles images où la sentimentalité mélancolique de John Ford s’exprime indéniablement n’altèrent guère la profonde débilité de ce film de propagande extrêmement virulent (« fire them! burn’em out! cook’em! »). On est loin de la grandeur élégiaque de La bataille de Midway réalisé dans le même cadre quelques dix ans auparavant. A noter que, distribué par Republic, This is Korea! est un film en Trucolor.
En Svanétie, dans le Caucase, la vie d’une communauté pauvre et coupée du monde avant l’arrivée des communistes.
On trouve déjà dans ce deuxième film de Kalatozov les qualités qui l’ont rendu célèbre dans les années 50: le lyrisme visuel, les raccords audacieux et brusques, la rapidité légère du rythme des images, dernière qualité qui le distingue de ses pesants confrères soviétiques. Ce génie formaliste, qui lui causa d’ailleurs de sérieux ennuis avec la censure du Parti, magnifie le mode du vie du peuple qu’il filme en poète ethnologue, tel un Flaherty du Caucase. En créant de belles images à partir d’un mode de vie archaïque, il nuance considérablement la propagande du scénario qui voit arriver le communisme comme une délivrance et un progrès nécessaire pour cette communauté arriérée. Cette propagande n’est en fait présente que dans les cinq dernières minutes du film.
La seule chose qui empêche Le sel de Svanétie de figurer parmi les chefs d’oeuvre du genre, c’est une présence du monteur qui peut s’avérer écrasante. Des plans trop brefs ne laissent pas le temps à certaines situations de se développer d’elles-mêmes, empêchent l’impression de naturel de leur déroulement et donnent au contraire l’impression, certainement voulue mais dommageable, que les images sont là pour illustrer le commentaire des intertitres. Il n’empêche: plusieurs plusieurs plans de ce documentaire sont magnifiques de poésie pure tel celui de cette femme versant du lait de son sein sur la tombe de son nouveau-né. Dans des moments pareils, le symbolisme cosmique de l’image transcende complètement la petitesse du propos initial.
Le début de la révolution de 1917 vu à travers un ouvrier récemment arrivé à Saint-Pétersbourg.
Lamentable film où Poudovkine accumule les « images-chocs » sans prendre le temps de donner une quelconque épaisseur aux personnages et aux situations. Le montage fait office de marteau-piqueur sur la cervelle du spectateur. Contrairement à La mère, La fin de Saint-Pétersbourg est un film tellement dépourvu de dialectique et d’évolution narrative qu’il ne peut prêcher qu’un convaincu. Contrairement à La mère, la virulence formaliste n’accompagne pas un crescendo dramatique digne de ce nom mais illustre les clichés marxistes les plus éculés. D’où la foncière hystérie du film.
,
Un chasseur mongol qui a eu maille à partir avec des capitalistes est intronisé successeur de Gengis Khan par des impérialistes occidentaux qui espèrent ainsi le détourner du communisme.
Comme le laisse supposer ce bref synopsis, le scénario de Tempête sur l’Asie est décousu et brinquebalant. De plus, plusieurs scènes sont démesurément étirées pour le seul intérêt d’un exotisme qui a fait long feu. Le seul moment qui nous rappelle que l’auteur de La mère est derrière la caméra est le court morceau de bravoure final. Tempête sur l’Asie est donc un film très ennuyeux qui a mal vieilli.
Une jeune femme récemment mariée à un soldat doit s’adapter à la vie de caserne.
Film de commande célébrant l’armée et la famille formaté de bout en bout sans le moindre embyron d’intérêt. Henry King eût sans doute mieux convenu à la réalisation d’un tel film qu’Otto Preminger.
Un journaliste américain et une danseuse russe récemment mariés sont séparés par les autorités soviétiques…
Film de propagande anticommuniste formaté par la MGM sans intérêt. Le récit est aussi grossier que les intentions, l’histoire d’amour est invraisemblable car dénuée de substance, Gene Tierney n’apparaît presque pas à l’écran et il n’y a aucune trace de la sensibilité habituelle de Delmer Daves.
Après la drôle de guerre, trois camarades démobilisés décident d’ouvrir un centre pour jeune délinquants qui sera moins sévère que les autres.
Le carrefour des enfants perdus est un des très rares films tournés sous l’Occupation à représenter une situation explicitement contemporaine. Il faut dire qu’il a pour objet de promouvoir les théories vichystes sur l’éducation de la jeunesse. L’identité des commanditaires est parfois trop évidente comme lors de l’apologie finale du chef dont le rapport avec le reste du récit est pour le moins ténu. De plus, les personnages sont dessinés à gros traits, leur comportement est essentiellement déterminé par leur fonction dramatique (le méchant tentateur, le garnement qui a un bon fond, le héros parfait…).
Ceci étant dit, ce film à thèse est plus complexe qu’il n’y paraît et surtout il n’a, en dehors de ce bête discours final, rien de lénifiant. C’est un film dur et violent où les héros pleins de bons sentiments en bavent. La mise en scène de Joannon, si elle peut manquer de finesse, est solide, réaliste et parfois spectaculaire. René Dary est impeccable en éducateur à la bonne volonté inébranlable mais le jeune Serge Reggiani est carrément épatant et c’est d’ailleurs avec ce film qu’il a percé. Le carrefour des enfants perdus est donc un bon film.